Sei una designer indiana con base a Mumbai, una città notoriamente caotica, definita da un’energia intensa, da una densità estrema e da folle travolgenti. Viste dall’esterno, queste qualità non sembrano avere alcun legame con il tuo lavoro, che è invece fortemente minimalista. Come bilanci queste due forze nella tua vita?

È interessante, perché il mio lavoro è quasi l’opposto della città in cui sono cresciuta. Mumbai è densa, caotica e visivamente molto rumorosa, e credo che inconsciamente il mio lavoro sia diventato un modo per creare calma all’interno di quel caos. Se si osserva il mio lavoro nel suo insieme, trasmette un senso di quiete — serena, misurata ed equilibrata — attraverso l’uso di forme minime e palette cromatiche tenui.

Questo approccio è nato in modo molto naturale. Si tratta di trovare ordine, ridurre il rumore visivo e distillare gli elementi fino alla loro forma più essenziale senza perderne l’essenza. Io vedo le cose in termini di forme e geometrie, e questa estetica si estende oltre la mia pratica progettuale fino a influenzare la mia vita personale — la mia casa, il mio stile e il mio gusto in generale.

Oggi tutto è più accessibile grazie a Internet — ma quanto è stato difficile per te affermare la tua pratica all’interno del contesto del design indiano? Confrontando l’inizio del tuo percorso con la situazione attuale, cosa è cambiato intorno a te?

Ho lavorato per diversi anni in agenzie pubblicitarie e studi di design prima di avviare una pratica indipendente. Grazie alla mia esperienza professionale avevo qualche contatto, quindi sono riuscita a ottenere alcuni incarichi, ma all’inizio è stato comunque difficile. Inoltre mi ero trasferita in un’altra città e per un periodo ho avuto pochissimo lavoro. Quella fase è diventata un punto di svolta. È stato allora che ho deciso di concentrarmi su progetti personali ed esplorare il mio stile attraverso un progetto chiamato Something Cool Everyday, in cui ho realizzato un’opera d’arte al giorno per un anno.

Quell’esperienza ha cambiato completamente la mia traiettoria: mi ha aiutata a definire il mio linguaggio visivo e a costruire fiducia nella mia identità di designer. Poco dopo, ho iniziato a ricevere lavori proprio grazie a quella nicchia e a quello stile. Delhi ha avuto un ruolo fondamentale in questa fase: ha una comunità creativa vibrante e un ecosistema culturale molto ricco. Ho avviato lì la mia pratica indipendente, circondata da designer, artisti e pensatori stimolanti. All’epoca Instagram non era ancora una piattaforma dominante. Oggi i social media hanno trasformato il modo in cui i designer condividono il lavoro, vengono scoperti e costruiscono visibilità. Anche se a volte li trovo impegnativi, hanno indubbiamente cambiato le regole del gioco — funzionando quasi come un portfolio vivo e in continua evoluzione.

Qualche anno fa la tua pratica — e persino il tuo ruolo professionale — sarebbe stato definito più come illustratrice che come graphic designer. Oggi la disciplina si è evoluta e l’illustrazione, soprattutto dopo il COVID, è diventata un potente strumento di comunicazione più gentile e significativo, oltre a sostenere l’inclusività, spesso più accessibile proprio attraverso l’illustrazione.
Ti riconosci più in illustratrice o graphic designer?

Sono sia una graphic designer sia un’illustratrice. Ho iniziato a fare illustrazione nel 2014–15, quando ho cominciato a esplorare il mio stile personale nel design. Con il tempo, entrambe le discipline si sono fuse nello stile con cui lavoro oggi. Il mio approccio è sempre orientato alla riduzione: scomporre una forma nei suoi elementi più basilari, preservandone però l’essenza. Sono istintivamente attratta da forme, simmetria e struttura, e questo costituisce il fondamento del mio linguaggio visivo.

Hai detto che, invece di andare completamente verso il digitale con l’ascesa dell’Intelligenza Artificiale, ti sei mossa nella direzione opposta, sperimentando maggiormente con processi manuali e analogici. Cosa motiva questa scelta? È una reazione consapevole contro la spinta alla digitalizzazione totale, o stai cercando qualcosa di diverso nella tua pratica — magari qualcosa che l’IA oggi non è ancora in grado di produrre?

Negli ultimi anni ho cercato consapevolmente di tornare a lavorare con le mani. Ho iniziato con sessioni di ritratti a carboncino a Mumbai, che mi hanno riportata ai giorni dell’accademia, quando tutto era tattile e analogico. C’è qualcosa di profondamente meditativo nel lavorare con le mani — nell’essere completamente presenti nell’atto del creare.

Ho anche esplorato il collage su carta, che si allinea naturalmente alla mia sensibilità geometrica. Questo cambiamento è in parte personale, ma è anche una risposta alla crescente omologazione prodotta dagli strumenti digitali e dall’IA. Credo fermamente che il lavoro fatto a mano, tattile, acquisirà sempre più valore nei prossimi anni come contrappunto a una cultura visiva sempre più automatizzata.

Qual è la tua visione per il futuro della cultura del design asiatico? Con associazioni come AGI (Alliance Graphique Internationale) e numerose risorse online, oggi esiste un senso più forte di globalizzazione all’interno della comunità del design. Quando facciamo ricerca per un progetto, tutto è più aperto e accessibile — possiamo esplorare facilmente lavori provenienti da ogni parte del mondo.

In che modo pensi che questo influenzerà il design asiatico nei prossimi anni?

Penso sia fantastico avere così tanta esposizione internazionale e globalizzazione nel design. È bellissimo condividere idee, trarre ispirazione, ispirare gli altri, imparare dalle esperienze reciproche e talvolta collaborare. L’esposizione a culture diverse e a designer di tutto il mondo è stata davvero illuminante.

L’India è ancora un’industria del design in via di sviluppo, ma possiede un patrimonio culturale e visivo fortissimo, e stiamo lentamente assistendo all’emergere di un linguaggio progettuale sicuro e distintivo sulla scena globale.

Come percepisci lo stato attuale dell’educazione al design?

L’industria del design in India è ancora in evoluzione, ma è cresciuta enormemente rispetto a quando ero al college. Quando ho iniziato, c’erano pochissime scuole d’arte e il graphic design stava appena emergendo come professione. Oggi esistono numerose istituzioni di design, studi e opportunità.

Secondo te, qual è il ruolo dei graphic designer emergenti?

I graphic designer emergenti oggi stanno modellando attivamente la cultura visiva. Sperimentano con nuovi strumenti, fondono discipline diverse e si adattano costantemente a un panorama progettuale in rapido cambiamento. La curiosità e l’apprendimento continuo sono fondamentali.

Che consiglio daresti a un giovane graphic designer che entra oggi nel mondo professionale?

Il mio consiglio ai giovani designer è semplice: trascorrete alcuni anni facendo esperienza, comprendendo i vincoli del mondo reale e imparando dagli altri prima di intraprendere un percorso indipendente. Non smettete mai di lavorare con le mani e ritagliate sempre del tempo per progetti personali o di passione accanto al lavoro commerciale — è lì che si sviluppa la vostra vera voce.